Jaime Andrade Moscoso: La modernidad en movimiento
Curaduría: Susan Rocha y Ana Rosa Valdéz
Centro Cultural Metropolitano
Diciembre 2024-Marzo 2025
Esta exposición es un homenaje a la trayectoria de Jaime Andrade Moscoso (1913-1990), un referente fundamental para la historia del arte moderno del Ecuador. Sus murales se encuentran principalmente en la ciudad de Quito, en donde desarrolló gran parte de su trayectoria. En ellos se observa su interés de contribuir a la transformación urbana, acercar el arte a la cotidianidad y reimaginar el paisaje de la ciudad conjuntamente con la arquitectura de vanguardia, especialmente entre los años cincuenta y ochenta del siglo XX.
Estos murales empezaron a realizarse durante la década de 1940, cuando Quito tuvo su primer plan urbanístico. Fueron creados para el espacio público, concebido como un lugar de encuentros, convivencias y tensiones. Algunos se encuentran en el Salón de la Ciudad, el IESS, la Universidad Central, el Banco Central, el antiguo aeropuerto de Quito, y han sido parte de la experiencia de habitar la ciudad durante décadas.
Miguel Varea: lectura visual para todos
Curaduría: Susan Rocha y Ana Rosa Valdéz
MUNA Mayo 2024
El dibujo es la posición de margen que eligió Miguel Varea para enunciarse, una elección que compartió con varios creadores latinoamericanos que también optaron por este medio para radicalizar sus búsquedas. En Varea, más allá de ser una técnica, el dibujo se configura como la operación intelectual que le permite expresar sentidos disruptores en contextos específicos. Esta singularidad distintiva de su obra está presente en etapas tan heterogéneas como la estétika del disimulo, la estétika de la muralla y la estétika de la desaparición.
La incorporación de textos tan característica de su obra, se inscribe dentro de las exploraciones artísticas de las décadas de 1960 y 1970 que buscaron nuevas formas de pensar las relaciones entre el arte y el lenguaje.
Sin importar si estamos hablando de (re)producciones de escritos de otros autores o de palabras del propio Varea, los textos se recontextualizan al ser incorporados a la obra y cambian de sentido. En ocasiones, nos vemos ante letras sueltas que se superponen en el papel como si fueran texturas incomunicables que desafían la noción misma de significado. Particularidades como el uso recurrente de la "K" en lugar de la "C" cobran un sentido crítico al expresar lo inaudito por medio de normas autoimpuestas.
Varea juega invertir la percepción, a expresar el mundo como un enunciado existencial que se escapa desde adentro. Sus líneas son cicatrices desgarradas producidas en profundas batallas internas libradas en un proceso de exploración íntima que siempre se renueva en la contingencia. Es un trabajo hecho desde la sospecha, con la mirada puesta siempre en el costado, en la fisura, en el reverso de sí mismo.. Así, a más de realizar comentarios críticos e irónicos sobre su entorno, Varea logra transcribir su desajuste con el mundo y evidenciar el nuestro.
Curaduría
La curaduría permite ensayar diversas formas de relacionar a los bienes culturales artísticos, documentales o históricos a través de una narrativa que surge desde ellos.
Miguel Varea
La línea
desgarrada de la existencia
Museo Nacional del Cacao (MuCAO) de Guayaquil, del o6 de julio al 15 de octubre de 2023.
El presente texto sintetiza la investigación realizada acerca del trabajo artístico de Miguel Varea (1948-2020), fruto de la revisión de más de 10.000 obras y la lectura de sus diarios, tarjetas, entrevistas y los artículos publicados sobre sus exposiciones, publicaciones y debates, que da sustento a la exposición Miguel Varea. La línea desgarrada de la existencia.
Varea fue un dibujante de tramas y sombras que parecían desgarrarse o transferirse desde sus entrañas hacia el papel. En este ejercicio se transcribió a sí mismo y a sus batallas internas. Buscó en sus profundidades sin por ello dejar de interpelar su contexto. Es claro que no calzaba en el mundo y, a través de su obra, pregunta si nosotros lo hacemos. Dudaba de la autenticidad de la vida, su trabajo evidencia la insatisfacción relacionada con la angustia existencial y las formas de habitarla desde y a través del arte.
Como artista, mantuvo una singularidad que lo identificó, un juego de incertidumbre formal en diversas etapas como la estétika del disimulo, de la muralla o de la desaparición. Todas con sentidos disruptores en contextos específicos. Estas se oponían a lo que él llamó la estétika higienista y del prestigio. Por ello, al escuchar su nombre se lo asocia con rebeldía, irreverencia, ironía y una exploración de relaciones entre arte y lenguaje propias del momento en el cual emergió como artista: 1970, aunque casi completamente inexploradas en el Ecuador de entonces.
En sala
Museografía de Anthony Arrobo. Fotografía de Ricardo Bohórquez.
Texto curatorial
Aquí se puede mirar el texto curatorial y registro de la exposición: https://www.paralaje.xyz/miguel-varea-la-linea-desgarrada-de-la-existencia-en-el-museo-nacional-del-cacao/ .
Irruptoras: las mujeres en la Universidad Central 1919-2021
Museo Universitario de la Universidad Central (MUCE) de Quito, agosto a diciembre de 2022. Co-curaduría con Ana Rosa Valdéz, Patricia Moreno y Natalia Barreno.
La exposición "Irruptoras" fue la celebración de la graduación de Matilde Hidalgo como primera doctora en medicina, la propuesta desbordó ese nombre singular para dar cabida a una multiplicidad de mujeres que poblaron las aulas y lucharon por la igualdad de oportunidades.
Katherine Orquera Polanco, El Comercio.
El proceso de investigación
Desde mi dirección hemos pensado al museo como
un laboratorio de investigación que construye y divulga
conocimiento, como un espacio para el uso del tiempo
libre emancipado y como un aliado del cambio social. Por
ello, formulamos una estructura de exploración que desde
nuestra perspectiva aporte a la historia de las mujeres,
la historia de género, la historia del arte y la historia de
la educación superior en el país. De esta manera, este
trabajo exploratorio abre el camino a futuras exploraciones
y nos permite colocar en sala una serie de dispositivos
que dialogan con el presente. Esto porque tenemos la
certeza de que un museo que no investiga, documenta y
evidencia los resultados de esas indagaciones mediante sus
exposiciones no merece ser llamado como tal, pues pierde
completamente su sentido.
Con lo que habíamos imaginado como contrapropuesta inicial nos acercamos a la historiadora
Rosemarie Terán Najas. Definir los tiempos históricos y
las posibilidades de articulación, los puntos de inflexión y
las continuidades nos llevaba a diversas entradas temáticas
y temporales.
Luego de varios borradores obtuvimos un esquema conjunto provisional. Entonces, empezamos a pensar en nuestro equipo que quedó conformado por Rosemarie Terán, Milagros Villarreal, Natasha Sandoval, Alexandra Sevilla, Ana Rosa Valdez, Cristina Burneo, Álvaro Alemán, María José Garrido y yo. Desde los disensos y consensos que generamos fuimos centrando aún más nuestra propuesta. Conforme avanzábamos nuestras ideas crecían y se complejizaban. Con todo esto en marcha, decidimos llenar los formularios y concursar dentro de la Convocatoria Senior 2019 para proyectos de Investigación Avanzada de la institución y ganamos el concurso.
En sala
Museografía de las curadoras, Fotografía de Juan Ángel Jácome Medina.
Créditos
Dirección científica de la investigación y curaduría: Susan Rocha.
Equipo de investigación; Rosemarie Terán. María José Garrido, Wendy Madrid, Juliana Centeno, Milagros Villarreal, Natasha Sandoval, Alexandra Sevilla, Susan Rocha, Álvaro Alemán, Ana Rosa Valdez, Cristina Burneo, Patricia Moreno, Guillermo Morán.
Sistematización de información: Dayana Aguilar.
Estudiantes asistentes de investigación: Alejandro Salazar, Andrea Freire, Wendy Madrid, Juliana Centeno.
Equipo curatorial: Susan Rocha, Ana Rosa Valdez, Patricia Moreno, Natalia Barreno.
Texto curatorial: Ana Rosa Valdez y Susan Rocha.
Producción: Susan Rocha, Nadya Pérez, Natalia Barreno.
Artistas participantes: Jenny Jaramillo, Ana Fernández, Marcia Acosta, Magdalena Pino, Diana Valarezo, Kaya Janeta (KINKU).
Programa educativo: Patricia Moreno.
Museografía: Natalia Barreno, Susan Rocha, Ana Rosa Valdez, Patricia Moreno.
Montaje: Natalia Barreno, Cristian Balseca, Nadya Pérez, Patricia Moreno, Christian Burbano.
Elaboración de mobiliario museográfico: Vanessa Colcha, Ramiro Pillajo, Wilman Calpa, René Acosta - Facultad de Ingeniería Civil.
Conservación de bienes culturales: Pablo Teca, Cristian Balseca, David Miranda, Natalia Barreno.
Conceptualización de la imagen de la exposición: Belén Mena.
Diseño gráfico: Belén Mena, Emilio Espinoza, Edison Benavides, Dayana Aguilar.
Trayectos,
comunidades y tejidos migratorios
Museo Antropológico Antonio Santiana de la Universidad Central del Ecuador (MAAS) de Quito, enero a diciembre de 2023. Co-curaduría con Luis Vizuete Marsillo y Patricia Moreno.
Esta exposición temporal atraviesa varios ejes de las políticas expositivas y educativas edificadas desde mi dirección para los museos universitarios. Se complementa con la participación de la comunidad universitaria en talleres, conferencias y espacios de diálogo con estudiantes migrantes y no migrantes de la institución. Nos interesa un museo polifónico, un museo que no dé cuenta exclusivamente de quienes investigaron o de quienes produjeron un discurso, sino también un museo en donde estén presentes las voces de estudiantes, docentes, trabajadores y, sobre todo, la voz de quienes han hecho carne la migración, porque pensamos que ningún ser humano es ilegal.
Se exhibe material histórico proporcionado por el Archivo Histórico Nacional; Archivo Histórico del Guayas; Archivo de Fotografía Patrimonial del Instituto Nacional de Patrimonio Cultural; Archivo Histórico del Ministerio de Relaciones Exteriores; Museo Pumapungo; y la Biblioteca Municipal de Guayaquil. En los agradecimientos, también se expuso la colaboración de colecciones fotográficas privadas, entre las que se encuentran: Colección Alfredo Kuffó Anchundia; Colección Manuel Jesús Serrano; Colección Hans Meyer; Colección Dr. Miguel Díaz Cueva; Colección Fabián Peñaherrera; Colección Alphons Stubel; Colección Particular Julio Enrique Estrada Ycaza; la Colección privada del Colegio San Francisco; y los archivos digitales de la embajada de México en Ecuador y el Consulado de la República Bolivariana de Venezuela, levantados por Luis Vizuete.
En sala
Museografía conceptualizada por el equipo curatorial, Montaje Natalia Barreno
Presentes
Transtemporales
Exposición de María José Argenzio
Casa del Barrio del 29 de octubre al 19 de noviembre, 2021.
María José Argenzio (Guayaquil, 1977) construye un diálogo con múltiples temporalidades. Recurre a elementos del pasado como portadores de referentes identificables que son recodificados desde el contexto poscolonial desde el cual la artista enuncia su trabajo. Su obra se muestra como el síntoma de la relación esquizofrénica que el presente tiene con sus pasados, tanto reales como ficticios. Desde allí, escarba las estructuras de poder que permean las relaciones actuales de género, clase y etnicidad.
Su trabajo identifica de manera precisa las sombras que en la oscuridad del mundo contemporáneo parecen ocultarse. No las ilumina, solamente las evidencia, pues estas siguen siendo sombras. El presente parece expandirse hacia varios pasados que inciden, con distintas intensidades, el contexto actual. Así, Argenzio devela espectros, fantasmas y sombras que, como sostiene George Didi Huberman (2.000), son síntomas de algo que ya no debería estar, pero que se niega a morir e insiste en hacerse visible. Así, en la obra de arte coalicionan, se enredan y bifurcan múltiples temporalidades estratificadas que la dotan de sentido; por ello el nombre de Presentes Transtemporales.
El pasado es usado por Argenzio como una forma de resistencia frente a las prácticas hegemónicas, como un síntoma que permite diagnosticar la naturalización de formas patriarcales, clasistas y racializadas de ser y estar en el mundo. Se evidencia que la matriz colonial se encuentra habitando las subjetividades actuales como un espectro/fantasma. Comprender estas sombras como insistencias, como fantasmas que se niegan a aceptar su muerte quizás permitiría repensar el mundo desde otras imaginaciones y otras formas de existencia.
En sala
Museografía conceptualizada por María José Argenzio, Giulia Vargas y Susan Rocha.
Fotografía Ricardo Bohórquez
Texto curatorial y registro
Aquí se puede ver el texto curatorial y el registro de la exposición: https://www.paralaje.xyz/presentes-transtemporales-exposicion-de-maria-jose-argenzio-en-casa-del-barrio/
Inauguración de la exposición, fotografía Edison Benavides.
Jaime Andrade Moscoso
Museo Universitario de la Universidad Central del Ecuador (MUCE), enero a marzo de 2020.
La primera vez que vi una estrella náufraga fue en la reserva de arte del BCE, cuando trabajé allí, creo que fue en 2003, me pareció impresionante la capacidad de experimentación de Jaime Andrade Moscoso. Yo solo conocía sus obras en madera y piedra. Me parecía increíble que no estén expuestas. Han pasado casi 20 años y con mucha alegría, siento que he recibido un gran regalo de la vida, el haber podido curar su obra y darles a esas obras el montaje que se merecen. Por eso, cuando la FAUCE pidió realizar una muestra de sus docentes por su cincuentenario, les hice la contrapropuesta de realizar una exposición histórica de la trayectoria de quien la conceptualizó. Fue un camino duro, pero trabajar con arte es un privilegio que me llena de placer y experiencias visuales únicas.
La exposición estaba programada hasta junio, pero debido a la pandemia se suspendió.
La creación artística como motor de la investigación:
La trayectoria de Jaime Andrade
Para Jaime Andrade la creación siempre fue una experiencia vital, muy relacionada con su entorno, que le proporcionó varios referentes visuales: la figura humana indígena femenina, la naturaleza andina, la corporalidad de la pareja, las festividades locales, solo por nombrar algunos de los temas plasmados en sus esculturas, dibujos y grabados. Sin embargo, no pretendió llenar estas formas de un significado que les "agregue" un valor extra artístico, ni explicar sus gestos desde una retórica social o política. Él sabía que el valor de su obra radica precisamente en su particular manejo del lenguaje artístico y en especial de la composición, que era fruto de su forma singular de percibir el espacio, el tiempo y el mundo. Pero ¿cómo llegó a esa concepción del arte? Para responder a esta pregunta, vamos a recorrer su trayectoria en relación con los cambios que la escultura como tal tuvo en el siglo XX.
El filósofo y crítico Gotthold Lessing, en 1766, realizó varias reflexiones alrededor de los límites del arte. Para él, la escultura debía ser estática y desplegar cuerpos en el espacio. Esto la distingue como un arte espacial, que difiere de uno temporal, como es el caso de la poesía o el teatro. Aunque todo lo que habita el espacio existe dentro de un tiempo específico. Los límites que Lessing trazó para diferenciar a la escultura de la pintura, el teatro o la poesía fueron desapareciendo durante el siglo XX gracias a la experimentación del arte moderno. La escultura fue cada vez más un gesto de poetizar el espacio e incluso, retomando a Hölderlin, de habitar poéticamente en esta tierra. Ese habitar poético implica jugar ilimitadamente, imaginar sin límites para inventar un mundo de imágenes al buscar la esencia de las cosas.
En sala:
Museografía Anthony Arrobo y Álvaro Valencia. Montaje Natalia Barreno, Christian Burbano, Pablo Teca, David Miranda, Anthony Arrobo, Nadya Pérez. Fotografía: Daniel Andrade
Texto curatorial y registro
Aquí se puede ver el texto curatorial y el registro de la exposición: https://www.paralaje.xyz/jaime-andrade-moscoso-exposicion-antologica-en-el-muce/
Recorrido virtual
Aquí se encuentra la exposición: https://www.orbitalvision.com/uploads/tours/jaime-andrade1/index.html
PREMIO
para la curaduría de Jaime Andrade Moscoso.
Murales
Una deriva de la exposición realizada por la familia de Jaime Andrade es el recorrido de sus murales: https://storymaps.arcgis.com/stories/6469361a302e4b1d9f9fd0d27568632f
Mecanismo de inducción electromagnética, colección Museo Universitario MUCE.
Los Imponderables, derivas de la física newtoniana
Museo Universitario de la Universidad Central del Ecuador (MUCE), marzo a agosto de 2019. Co-curaduría con Karen Solórzano y María José Garrido.
Curaduría histórica en la cual articulé la historia de la enseñanza de la física en la Universidad Central con la Historia institucional.
En el proceso de separación entre la física y la filosofía, surgieron dos modelos de enseñanza. El primero, de origen prusiano, adoptó un enfoque idealista y humanista; en contraste, el modelo francés se caracterizó por la creación de escuelas politécnicas con una perspectiva positivista. En el ámbito educativo ecuatoriano, se estableció un diálogo con ambos modelos, y finalmente, predominó la influencia politécnica, influenciada por el origen alemán de los primeros docentes jesuitas que llegaron a la Escuela Politécnica Nacional.
Para llevar a cabo una experiencia práctica en la enseñanza de la física, era necesario contar con réplicas de los grandes inventos de la física experimental. Esta necesidad condujo a la formación de una colección de más de ochenta bienes culturales en el Museo Universitario MUCE. Gracias al trabajo de restauración de Pablo Teca y de catalogación realizado por María José Garrido, esta valiosa colección se expuso y eso me permitió contextualizarla a través de la historia institucional de la inconclusa Facultad de Ciencias.
Mi curaduría histórica consiste en analizar los procesos previos y posteriores a la creación de la Escuela Politécnica Nacional acontecidos dentro de la Universidad Central del Ecuador.
La educación de la física en la Universidad Central del Ecuador
El oficio de cuidar
Museo de enfermería Iralda Benítez de Núñez, noviembre 2021. exposición interactiva en línea. Co-curaduría con Nadya Pérez. Presentada en noviembre 2021.
Esta exposición presenta un libro divulgativo creado por estudiantes de la Escuela Nacional de Enfermería en la década de 1950, actualmente parte de la colección del museo. Este libro narra una concepción evolutiva de la enfermería, desde las sociedades originarias hasta el contexto coetáneo de las propias estudiantes. Para ello, recurrieron a la elaboración de trajes en tela de quienes consideraron antecesores de su profesión.
El propósito central de la exposición es analizar la autorrepresentación que las estudiantes de enfermería construyeron de sí mismas, contrastándola con las prácticas de curación y los saberes ancestrales. La exploración de esta autorreflexión proporciona una perspectiva sobre la autopercepción de las estudiantes de enfermería en esa época.
La sala virtual es como un libro interactivo
Museografía: Susan Rocha y Nadya Pérez.
Video de presentación de la exposición virtual
Aquí está el video: https://www.facebook.com/watch/live/?ref=search&v=224950186378686
Nobody,
Vinicio Bastidas
Centro de Arte Contemporáneo de Quito (MUCE), noviembre de 2013 a mayo de 2014.
Una muestra de dibujo contemporáneo que invita a reflexionar sobre el cuerpo como experiencia a través de la memoria social construida alrededor del holocausto.
En el brazo de Vinicio Bastidas se encuentra tatuada la palabra NOBODY (ningún cuerpo, nadie, no cuerpo). Mediante este gesto, realizado a pocos días de inaugurada su muestra (1), el artista incorpora a su cuerpo una reflexión sobre la condición efímera de la vida humana. El nuevo tatuaje se suma a los de los nombres de sus hijas y de otras leyendas que le recuerdan los acontecimientos más significativos de su vida y se relaciona directamente con la exposición. Por ello, la muestra es una invitación para pensar sobre la vulnerabilidad del individuo frente al momento, lugar y género que le ha tocado vivir.
Aunque podría parecer que Bastidas plasma a una persona anónima, que representa a la humanidad en sí, una mirada más detallada da indicios de que sus personajes protagónicos poseen formas particulares de ser y de estar en este mundo de acuerdo a su género y cultura, así como de sus recuerdos y de la manera en que esas memorias se han grabado en el imaginario. "Intento en mi obra abordar el tema de la identidad, la vulnerabilidad del ser humano y la memoria en un mundo contemporáneo. Para mí, todas estas 3 cosas forman una sola", expresó Bastidas.
En sala
Museografía de Ilowasky Ganchala. Fotografías de Pablo Jijón Valdivia.
Texto curatorial
Aquí se encuentra el texto: https://www.academia.edu/88130709/CUERPO_MEMORIA_Y_FRAGILIDAD
Mauricio Bueno: Horizontes variables
Centro de Arte Contemporáneo de Quito, CAC, 2012. Co-curaduría con Nadya Pérez y Christian Viteri.
La exposición exhibe diferentes series trabajadas por el artista a lo largo de su trayectoria de más de cuarenta años. Además, muestra documentos que permiten contextualizar esa producción y su vida, junto a los hechos históricos y referentes culturales que proporcionaron a su generación una forma diferente de imaginar el mundo. Esa manera de imaginar se plasma en obras tecnológicas que son el fruto de la experimentación con diversos materiales dentro de su fase de aprendizaje en el M.I.T., cuyo lema era "aprender en el proceso". De allí, que los soportes más tradicionales como la pintura, la fotografía o el dibujo, contengan variaciones espaciales en sus formatos.
En sala
Inhumano, el cuerpo social en el arte ecuatoriano (1960-1980)
InHumano: el cuerpo social en el arte ecuatoriano 1960-1980 fue una exhibición compuesta por pinturas, dibujos y grabados de artistas ecuatorianos que exploraban, entre las décadas de 1960 y 1980, la condición humana y sus misterios a través de la desfiguración del cuerpo. Estos trabajos, junto con material documental y de archivo, permitieron también reflexiones en torno a la imagen del cuerpo social y sus identidades. Estuvo en exhibición en el @centroartequito desde septiembre 2011 a mayo 2012.